1. Ao assistir ao seu trabalho, fica claro que o cenário é um elemento crucial. Em Simulation, vemos três ambientes distintos, cada um muito específico e particular. Eles parecem fictícios, mas de alguma forma reais. Você poderia falar sobre como escolheu esses locais? Você teve que construí-los, modificá-los ou criá-los de alguma forma? E qual o papel que os espaços fictícios ou reais desempenham no seu processo artístico?

Os locais em Simulation fazem parte de um centro de experiência em segurança operado pela cidade. Essas instalações são projetadas para que crianças simulem cenários de desastres e acidentes por meio de cenários construídos. Eu via esses espaços como 'locais para ensaiar o futuro — praticar eventos que ainda não aconteceram'. Embora as situações sejam fictícias, as performances se desenrolam em tempo real, criando uma sobreposição entre ficção e realidade. Isso obscurece a sequência usual de intenção e ação, causa e efeito, conteúdo e forma. Esses espaços carregam a natureza teatral de serem desmontáveis e reconstruíveis, como um palco que pode ser reconstruído a qualquer momento após um incêndio ou desmoronamento.

2. Há um contraste marcante entre um mundo que parece estar 'desmoronando' e a expressão de passividade, impotência, exaustão — ou até mesmo serenidade — do dançarino. Você poderia falar sobre sua decisão de trabalhar com esses contrastes? Sobre o dançarino: Como você chegou à personificação e à fisicalidade específicas neste trabalho?

O artista não segue os protocolos de segurança esperados para cenários de desastre. Em vez disso, ele responde com seus próprios movimentos — ou, às vezes, simplesmente se rende à situação. Ele parece vivo demais para ser impotente, mas vulnerável demais para ser considerado resiliente. Seus gestos incorporam um desamparo internalizado diante de circunstâncias incontroláveis, servindo como uma forma de responder por meio de sua própria linguagem. Esta performance propõe um desvio para todos nós que vivemos entre a crença em um caminho seguro para o amanhã e a ansiedade de que tal caminho possa não ser mais válido. Ela questiona ao que precisamos nos agarrar ou em que precisamos nos apoiar para seguir em frente.

3. Em Simulation, você utiliza três poderosos elementos naturais: fogo, ar (vento) e água. Curiosamente, o dançarino responde de forma semelhante a cada uma dessas forças. Você se interessou mais em explorar como o corpo vivencia esses elementos ou se atraiu pelo seu significado simbólico? Poderia nos contar mais sobre essas escolhas e o que elas representam para você?

Este trabalho apresenta desastres simulados como incêndios, terremotos, tufões e inundações. À medida que a fumaça sobe, o chão treme, as luzes piscam e a água entra — um ambiente artificial cria incidentes plausíveis, porém falsos, que provocam reações corporais aparentemente apropriadas. Em última análise, Simulation não se trata tanto do desastre em si, mas sim da relação entre simulação e realidade. Por exemplo, os movimentos do artista nunca visam à fuga, porque, na verdade, nenhum desastre jamais ocorreu.

Todo o espaço em Simulation está sob controle rigoroso. Cada evento é encenado, produzindo efeitos catastróficos por meio de um sistema de regras e condições. Dessa forma, o artista se move dentro de um espaço que jamais poderia existir na vida real. Aqui, ficção e realidade se entrelaçam de maneiras inusitadas, fundindo-se e infiltrando-se continuamente. A ficção não apenas replica a realidade, mas também a põe em movimento.

4. Por fim, você poderia compartilhar um pouco sobre seu papel na direção? Você aborda seus projetos com uma visão clara ou o processo criativo é mais colaborativo? Gostaria de saber quanta contribuição o dançarino teve na construção da peça e se as ideias com as quais você trabalha são mais abertas ou já estão definidas quando você começa.

Eu tinha uma estrutura conceitual ampla em mente desde o início, mas não trabalhei com um roteiro completo. O projeto dependia fortemente da improvisação em resposta a fatores externos. Ofereci ao artista situações e condições específicas e depois me afastei, intervindo o mínimo possível enquanto observava como as coisas se desenrolavam.

Em vez de induzi-lo a agir dramaticamente ou a se mover como se estivesse dançando, eu queria ver como ele reagiria como um acrobata lidando com uma situação da vida real. Acredito que, às vezes, isso pode expressar mais do que uma atuação roteirizada e evocar emoções mais profundas do que uma dança coreografada.

1. It becomes clear when watching your work that the setting is a crucial element. In Simulation, we see three distinct environments, each very specific and particular. They feel fictional, yet somehow real. Could you talk about how you chose these locations? Did you have to build, modify, or create them in some way? And what role do fictional or real spaces play in your artistic process?

The locations in Simulation are part of a safety experience center operated by the city. These facilities are designed for children to simulate disaster and accident scenarios through built sets. I saw these spaces as 'venues for rehearsing the future—practicing events that haven't happened yet.' Although the situations are fictional, the performances unfold in real-time, creating an overlap between fiction and reality. This blurs the usual sequence of intention and action, cause and effect, content and form. These spaces carry the theatrical nature of being collapsible and rebuildable, like a stage that can reset at any time after burning down or falling apart.

2. There's a striking contrast between a world that appears to be 'falling apart' and the dancer's expression of passivity, powerlessness, exhaustion — or even serenity sometimes. Could you speak about your decision to work with these contrasts? For the dancer: How did you arrive at the specific embodiment and physicality in this work?

The performer does not follow the expected safety protocols for disaster scenarios. Instead, he responds with his own movements—or sometimes simply yields to the situation. He appears too alive to be powerless, but too vulnerable to be considered resilient. His gestures embody an internalized helplessness in the face of uncontrollable circumstances, serving as a way to respond through his own language. This performance proposes a detour for all of us who live between a belief in a secured path toward tomorrow and the anxiety that such a path may no longer be valid. It asks what we need to hold onto or lean against to move forward.

3. In Simulation, you use three powerful natural elements: fire, air (wind), and water. Interestingly, the dancer responds in a somewhat similar way to each of these forces. Were you more interested in exploring how the body experiences these elements, or were you drawn to their symbolic meaning? Could you tell us more about those choices and what they represent for you?

This work presents simulated disasters like fires, earthquakes, typhoons, and floods. As smoke rises, the floor shakes, lights flicker, and water rushes in—an artificial environment creates plausible yet fake incidents that prompt seemingly appropriate bodily reactions. Ultimately, Simulation isn't so much about the disaster itself, but about the relationship between simulation and reality. For instance, the performer's movements are never aimed at escaping, because in truth, no disaster ever occurred.

The entire space in Simulation is under strict control. Every event is staged, producing disaster-like effects through a system of rules and conditions. In this way, the performer moves within a space that could never exist in real life—Here, fiction and reality intertwine in uncanny ways, continuously merging and infiltrating one another. Fiction not only replicates reality—it simultaneously sets it into motion.

4. Finally, could you share a bit about your role as a director? Do you approach your projects with a clear vision, or is the creative process more collaborative? I'd love to know how much input the dancer had in shaping the piece, and whether the ideas you work with are more open or already defined when you begin.

I had a broad conceptual framework in mind from the beginning, but I didn't work from a fully written script. The project depended heavily on improvisation in response to external factors. I offered the performer specific situations and conditions and then stepped back, intervening as little as possible while observing how things unfolded.

Rather than directing him to act dramatically or move in a dance-like way, I wanted to see how he would respond as an acrobat dealing with a real-life situation. I believe that, at times, this can express more than scripted acting and evoke deeper emotions than choreographed dance.